XV Международная студенческая научная конференция Студенческий научный форум - 2023

В статье рассматриваются особенности одного из наиболее характерных для изобразительного искусства второй половины 20 века направления, которое получило наименование Поп-арт.

Искусство ХХ века не просто новый период в истории живописи, архитектуры и музыки. Это время кризиса искусства и время поиска новых решений. На вопрос, какой стиль знаменует весь ХХ век, однозначного ответа нет. Особенность развития искусства ХХ века заключается в том, что в отличие от предыдущих эпох, где развитие искусства шло в определенной последовательности, искусство ХХ века представляет собой пеструю смесь жанров и стилей в их единовременном сосуществовании.

Искусство ХХ века в своем актуальном виде сформировалось в 1960 - 1970-е годы. Художественный тезис того времени можно охарактеризовать как поиск альтернатив модернизму. Зачастую подобное отрицание модернизма выливалось в противостояние через введение прямо противоположных модернизму принципов. Деятели искусства искали новые образы, новые средства и материалы для выражения своих идей. Подобный поиск нового доходил иногда до дематериализации объекта (перформансы и хепенинги).

Поп-арт (от английского pop art, сокращение от popular art – «популярное искусство») – это одно из направлений в изобразительном искусстве Европы и США в 1950-1960-е годы. Поп-арт возник главным образом в противовес абстрактному экспрессионизму с его серьезностью беспредметного искусства, с поиском глубинного смысла и большим влиянием психологии.

Поп-арт основан на объектах массовой культуры и направлен на развлечение и коммерцию. В произведениях поп-арта мы не найдем глубинный смысл, философию и духовность. Сюжеты картин строятся на популярных объектах: известных людях - знаменитостях, комиксах, еде, бытовых предметах, на всем том, что окружает среднестатистического человека каждый день.

Ведущую роль в развитии нового искусства играли реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арту присущи яркие, вызывающие цвета и сюжеты, плоскостность пространственного мышления, использование и переработка символических и знаковых объектов массовой культуры, ирония, придание обыденному предмету художественных качеств, близость с идеями дадаизма (принципы реди-мейда и коллажа).

Взаимопроникновение изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные баннеры, упаковка и печатная реклама) началось задолго первых официально признанных работ художественного направления поп-арт. Уже в 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе посодействовал развитию популярного вида искусства, взяв для своей картины позу из дешевой серии печатных изданий под названием Imagerie d’Épinal (Имажери д’Эпиналь). Эта весьма популярная серия включала в себя ярко окрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором Жаном-Шарлем Пеллерином (1756-1836). (ПРИЛОЖЕНИЕ №1, №1а)

Поп-арт в своей окончательно сложившейся форме был представлен в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей «Независимая группа» (Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл). Члены этого объединения исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на сознание массового общества с помощью популярных образов - эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке «Это – завтра», которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление использовало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных напитков - одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Поп-арт отличался тем, что не идеализировал культурные объекты, а изображал их такими, какие они есть в действительности. Основная идея этого движения состояла в том, что искусство не является элитарным, оно может быть связано с простыми людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятным каждому, а не быть привилегией ограниченного круга лиц.

Ключевые идеи стиля поп-арт:

Стирание понятия между «высоким» и «низким» искусством. Опорой жанра служила идея об отсутствии иерархии в культуре. Вдохновение могло черпаться из любых источников.

Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех их объединяло дистанцирование в эмоциях. Одни считают это принятием популярного мира, с его безэмоциональностью, другие шокированным отступлением после тяжелого опыта предыдущих эпох.

Отсутствие глубокого смысла. Простота — это одновременно и сильная, и слабая сторона. Именно за отсутствие глубокого смысла направление часто подвергалось жесткой критике. Однако смысл поп-арта лежит на поверхности.

Поп-арт легко узнаваем благодаря своей красочности и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих знаковых произведениях этого движения. К его особенностям относятся:

Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы популярных медиа и продуктов. В них входили коммерческие товары, такие как упаковки из-под супа, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, фирменные названия, логотипы и прочее.

Отсутствие выдуманных сюжетов и предметов. Поп-арт всегда основывается на действительности. Авторы не выдумывают новых героев и объектов.

Яркие цвета. Стиль характеризуется сочными, яркими цветами, к основным относится красный, желтый и синий.

Ирония и сатира. Юмор — один из основных компонентов поп-арта. Мастера используют их, чтобы сделать заявление о текущих событиях, посмеяться над причудами и бросить вызов существующему положению вещей.

Инновационные методы. Многие поп-арт художники были дизайнерами или занимались печатью, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, с помощью которого через сетчатый экран с трафаретом чернила переносятся на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля, использовал литографию. Авторы картин часто брали образы из других областей массовой культуры и включали их в свои произведения, либо измененными, либо в своей первоначальной форме. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высокой и низкой культурой, которое определяло различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.

Смешение медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали множество различных типов журналов и газет. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили развитие жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили кажущиеся несопоставимыми образы в единое полотно, чтобы создать совершенно современную форму.

Плоские образы под влиянием комиксов и газетных фотографий.

Энди Уорхол— самый знаменитый художник, икона поп-арта. Вначале своей карьеры Энди Уорхол успешно работал как «коммерческий художник», тематика его картин была заимствована из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

Энди Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвысил ее образность до статуса музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, которые, по его мнению, были банальными, и это делало их более интересными. Он чувствовал, что такие изображения были лишены своего смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на публику. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в ряде сюжетов, начиная от суповых банок, заканчивая образами знаменитостей.

Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода в создании картины: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы все они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него есть лучшая или худшая картина».

Известные работы:

«Зелёные бутылки кока-колы» (1962 г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №2)

Впервые об Энди Уорхоле заговорили в 1950 году, когда молодой художник нарисовал удачную рекламу обувной компании. Но настоящий успех пришел к нему после создания картины «Зеленые бутылки кока-колы».

Уорхол быстро понял, что искусством может быть все, что угодно, поэтому он и вложил в свое творчество рекламный бренд, соединив тем самым, массовую культуру потребления и современное искусство.

Художник сделал ставку не на элитарность, а на массовость и не прогадал. «В этой стране грандиозно то, что Америка породила новую традицию потребления - богатые покупают совершенно те же продукты, что и бедные. Президент пьет «Колу», Лиз Тейлор пьет «Колу» и только подумай - ты тоже пьешь «Колу», - говорил он.

«Банки с супом Кэмпбелл» (1962 г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №3)

В поисках идей и сюжетов для новых работ Энди Уорхол часто обращался за советами к своим близким. Одним из таких советов стало предложение нарисовать что-то просто, что-то, что есть у каждого, например - банку супа. Так и родилась идея создания этой работы.

Уорхол скупил все вкусы этого супа и нарисовал их на 32-х картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и произвели фурор. Молодые художники считали это чем-то новым интересным, но большинство же проходили мимо с безразличием и даже с откровенным презрением.

Владелец соседней галереи спародировал выставку, выставив реальные банки этого супа на витрине, указав, что в соседнем здании их можно купить дешевле.

Все работы «Банки с супом Кэмпбелл» владелец галереи выкупил у художника, затем продав их за 15 млн долларов после смерти Уорхола.

Мэрилин Монро (1968 г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №4)

Самой удачной работой по праву можно назвать работу Энди Уорхола «Мерилин Монро». Все началось с открытки, на которой некогда снялась самая желанная блондинка века. Энди Уорхол использовал это фото и поставил его на поток, иконизировав образ самой Монро. Ее изображения в кислотно-ярких тонах до сих пор являются самыми узнаваемыми работами художника.

Рой Лихтенштейн— один из ведущих и узнаваемых авторов в жанре поп-арт. Он сделал центром своего творчества комиксы, что до него еще не делал ни один художник. Лихтенштейн брал комиксы, увеличивал их, обрезал, заменял пузыри с репликами на другие, иногда смешивал героев одних серий комиксов с другими и создавал картины.

Несмотря на то, что его полотна кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетической полимерной краской, имитируя газетную печать. Для своей культовой точечной техники он использовал трафареты с кругами, так как рисовать их вручную, учитывая большой размер работ, было сложно.

Разница работ Лихтенштейна в сравнении с другими художниками, которые использовали подобный китчевый материал, заключалась в том, что он сделал сам комикс произведением искусства.

Поначалу его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но коллекционеры и владельцы галерей быстро приняли их.

Самые известные работы:

«Я вижу всю комнату… Но в ней никого нет!» (1961г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №5)

Загадочный сюжет, навеянный в ответ на супрематический «Черный квадрат» известного знакового авангардиста

«Тонущая девушка» (1963г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №6)

Шедевр мелодрамы. Пузырьки олицетворяют мысли. Героиня предпочитает утонуть, но не обратиться за помощью к некому Брэду.

«О, Джеф... я тоже тебя люблю… но…» (1964г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №7)

Изображение стандартной американской ситуации. Текст придает портрету мощную динамику. Зритель понимает, что стоит за этой фразой.

«Женщина: солнечный свет, лунный свет» (1996) (ПРИЛОЖЕНИЕ №8)

Объемный объект высотой 90 см, аверс и реверс которого имеют противоположные концепции, солнечную и лунную стороны жизни.

Клас Олденбург— был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йоркской.

Его работа была сосредоточена на превращении привычного в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, повседневные объекты и помещал их в общественные места, тем самым побуждая зрителя по-другому рассматривать окружающую их среду.

Работа Олденбурга полна юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой — мягкие, такие как чизбургер, из твердой крашеной штукатурки.

Его главным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.

Самые известные работы:

Напольный бургер (1962 г). (ПРИЛОЖЕНИЕ №9)

Это очень спорное произведение, которое не все считают искусством. Мягкая скульптура — к такому жанру относится бургер, было чем-то новаторским, сюрреалистичным.

Его мягкое, податливое и красочное тело бросало вызов условности, которое говорило, что скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее тематика и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое пространство изобразительного искусства.

Витрина с пирожными, I (1961–1962 г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №10)

Тарелка печенья, два сандея, торт, огромная стойка ребрышек и наполовину съеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам, скорее, как неловкие родственники.

Подобно портретам, но без человеческой фигуры, магия скульптуры Ольденбурга — это выразительный элемент, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и веселый) из поп-арт художников, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в ссылках на американскую культуру.

Мягкий туалет (1966 г.) (ПРИЛОЖЕНИЕ №11)

В 1961 году Клас Олденбург написал манифест, утверждающий его радикальную художественную позицию: «Я за искусство политико-эротико-мистическое, которое не сидит на заднице в музее, а делает что-то другое».

Мягкий туалет — работа, которая избегает обычных свойств арт-объекта, не стоит ни на чем — даже на пьедестале, как многие скульптуры, — а скорее висит на металлической подставке.

Клас Олденбург превратил туалет — фабричный, жесткий фарфоровый символ современной гигиены — в сшитый вручную податливый предмет из набитого винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, мягкий туалет наделен собственной индивидуальностью и чувством драмы.

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт. Многие считали поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критиков, поп-арт — это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

Список литературы

Авдеева В. В. Зарубежное искусство ХХ века: живопись, видеоарт, перформанс. Учебно-методическое пособие. Екатеринбург, 2021.

Рид Г. Краткая история современной живописи. М., 2006.

Герман М.Ю. Модернизм. СПб., 2005.

Полевой В.М. Двадцатый век. М., 1989.

ПРИЛОЖЕНИЕ

Приложение №1. Гюстав Курбе

Приложение №1а. Жан-Шарль Пеллерин

Приложение №2. Энди Уорхол «Зеленые банки кока-колы»

Приложение №3. Энди Уорхол «Банки с супом Кэмбел»

Приложение №4. Энди Уорхол «Мерлин Монро»

Приложение №5. Рой Лихтенштейн «Я вижу всю комнату ... но в ней никого нет!»

Приложение №6. Рой Лихтенштейн «Тонущая девушка»

Приложение №7. Рой Лихтенштейн «О, Джеф… я тоже тебя люблю... но»

Приложение №8. Рой Лихтенштейн «Женщина, солнечный свет, лунный свет»

Приложение №9. Клас Олденбург «Напольный бургер»

Приложение №10. Клас Олденбург «Витрина с пирожными. №1»

Приложение №11. Клас Олденбург «Мягкий туалет»

Код для цитирования: Скопировать