XIV Международная студенческая научная конференция Студенческий научный форум - 2022

В ряду источников познания истории и культуры важное место занимает живопись, которая воссоздаёт видимый образ прошлого, делает его наглядным. Живописные полотна воспроизводят не только внешний вид, но и внутренний мир, характеры людей, их общественные взаимоотношения.

В XIX веке русское искусство приобрело народное звучание, в этом периоде образ крестьянства прослеживается в наиболее яркой форме. В общественном сознании России XIX века крестьянство заняло совершенно особое место: оно стало фактически синонимом понятия «нация», а сельский труженик превратился в моральный эталон для различных политических движений. Искусство с небывалой наглядностью воплотило этот процесс визуального самопознания страны и формирования образа крестьянства как станового хребта России.

Русские художники обращались к жизни и трудовой деятельности простых людей и видели в этом особую значимость, так как полагали, что крестьяне - главные хранители русских традиций и культуры страны, ведь именно крестьянство на протяжении многих веков сумело сохранить исконно русский образ жизни и самоорганизации. В картинах многих русских художников запечатлен образ женщины-крестьянки.

Несмотря на интерес к изображению повседневной крестьянской жизни в картинах русских художников XIX века, тема образа русской крестьянки в живописи изучена недостаточно, что и делает эту тему актуальной.

  В начале XIX века внимание образованного русского общества все больше привлекает к себе жизнь и нравы простого народа. Пробуждение интереса к народу было вызвано растущими противоречиями крепостного порядка. Поэты, писатели, художники стремились ближе его узнать и понять его нужды.

К сюжетам из жизни деревни в 1820-х годах обращались многие художники, однако новое и веское слово в этой сфере удалось сказать только А.Г. Венецианову и его ученикам - их находки имели перспективное значение для отечественного искусства.

Признанный портретист, академик живописи Алексей Гаврилович Венецианов (1780 – 1847) в 44 года, почувствовал неудовлетворенность и необходимость работать по-другому, неожиданно уезжает из Петербурга и поселяется в тверской глуши. В автобиографических записках он так позднее объясняет свой шаг: «Чтобы полнее посвятить себя живописи с оригиналов натуры… уехал в деревню свою, там занялся безусловно вниманием природы…» [6]. Он действительно почувствовал себя свободным художником, независимым от требований и желаний заказчиков. Он стал писать простых русских женщин-крестьянок, занятых привычной и нелегкой работой. Вдали от шумной городской жизни у художника складывается свое представление об идеале женской красоты. В его картинах в облике величавой славянки подчёркнуты одухотворённое начало и яркая индивидуальность.

Следует сказать, что под влиянием романтизма художник в своих полотнах часто идеализировал крестьянский труд. Важной частью его картин становится пейзаж с его нежными, мягкими красками. В своих идиллических образах Венецианов ищет умиротворенности, душевной цельности и чистоты.

Картина «Утро помещицы» (1823) с первого взгляда покоряет редкостной гармонией. Маленькая комнатка небогатого помещичьего дома залита теплым солнечным светом, который целиком заливает фигуру хозяйки. Она занята домашним хозяйством: раздает крестьянкам лен, указывая, что надо делать. Одна женщина держит весы, чтобы взвесить, сколько было выдано льна. У другой в руке завязанный платок со льном, она внимательно, спокойно выслушивает указание помещицы. Чувствуется, что крестьянки нисколько не робеют перед своей хозяйкой. От сцены веет мирным покоем летнего дня, уютом, простотой и человечностью отношений, возможных только в маленьком именьице, где хозяева хорошо знают своих немногочисленных крестьян по именам, входят в их заботы. Художник как бы воссоздает тот непритязательный мир, который А.С. Пушкин нашел в семье Лариных:

Простая русская семья,

К гостям усердие большое,

Варенье, вечный разговор

Про дождь, про лен, про скотный двор.

В картине «Девушка с бураком» (1824) художник изобразил обычную девушку с типично русским лицом и правильными чертами. Сдвинутые брови, немного сжатые губы и пристальный сосредоточенный взгляд говорят о том, что застали ее за выполнением повседневной работы. Энергичный поворот головы девушки в сочетании с платком красного цвета передает темпераментность ее лица. Обычная неброская одежда подчеркивает простоту происхождения этой девушки. В левой руке она держит бурак (сосуд из бересты цилиндрической формы), а пальцами правой руки придерживает ручку деревянной ложки, опущенной в этот сосуд. Из чего можно предположить, что девушка что-то мешала, а возможно взбивала масло. На заднем плане часть ствола большого дерева и листва кустарников на темном фоне. Палитра красок приглушенная, что подчеркивает поздний вечер, передавая этим трудолюбие девушки.

Картина «На пашне. Весна» (1820) представляет зрителю поле и молодую крестьянку, ведущую пару коней, запряженных в борону. А.Г. Венецианову хотелось рассказать о начале полевых работ, как о радостном, долгожданном событии в крестьянской жизни. Добиваясь настроения праздничности, художник нарядил героиню в розовый сарафан и кокошник. Такая одежда усиливает поэтизированность образа крестьянки. Сарафан напоминает античное платье с высокой талией, а кокошник - диадему. Это впечатление усиливает и легкий «танцующий» шаг женщины. Героиня картины выглядит ожившей статуей богини Флоры, совершающей свое триумфальное шествие по весенней земле. Художник хотел придать ей черты величавости и потому опустил горизонт, она высоко поднимается над конями. Мерный ритм полевых работ он выразил не только в движении женщины и коней, но и во встречном движении женщины вдали, как слабое эхо повторяющей основную тему. Художник положил на краю поля выкорчеванный пень и посадил в углу картины младенца, чтобы осязательнее стал первый план; четко обрисовал кружево первой зелени на деревце, чтобы сильнее было ощущение простора. На холодном голубом небе нежно выделяется розовый сарафан крестьянки, и все краски картины, радостные, светлые, прозрачные, звонкие, насквозь пронизанные светом, соответствуют ее общему поэтическому строю [4].

В картине «На жатве. Лето» (1820) все подчинено минуте великого покоя, разлитого в природе. Здесь даже облака, кажется, не плывут, а словно замерли и недвижной грядой замерли над землей. Земля погрузилась в истому последнего знойного дня ранней осени. Неподвижен густой, плотный, напоенный жаром и тончайшей хлебной пылью воздух. Во власти покоя и главная героиня картины - крестьянка, отдыхая, она кормит грудью ребенка. Она повернута вполуоборот, спиной, мы не видим ее лица, но зато то, что скрывает лицо, мы видим в фигуре. Чуть согбенная спина, по-крестьянски прямые, чуть угловатые плечи; трогательная, тонкая, открыто-беззащитная шея, бережно обнимающие ребенка руки. В гармонии с природой рядом с кормящей женщиной застыла в неподвижности другая женщина с ребенком, а на поле выпрямилась третья. А дальше поле еще не убранного хлеба, снопы, а еще дальше, до горизонта - золотистые полосы неубранной ржи чередуются с полосами стерни, где хлеб уже сжали. Художник использовал в своей картине естественную цветовую гамму - золотисто-желтые, теплые красные и теплые оливково-золотистые тона, но, конечно, преобладают здесь золотисто-желто-коричневые тона и оттенки.

К этим двум картинам примыкает «Сенокос» (1820-е гг.), на которой художник также изобразил момент кормления маленького ребёнка в поле, где женщина занимается заготовкой сена. Крестьянка кормит грудью лежащего на коленях младенца, обращая взор на девочку, сидящую по правую сторону от нее. Она в лаптях, рядом с ней лежат рабочие инструменты - грабли. Сзади находятся люди, работающие на этой же самой местности. Но здесь полевые работы отодвинуты на второй план, зато воспевается материнство крестьянки. Фигура матери с ее строгим профилем камеи и на этот раз подобна женщинам в кокошниках. Но пейзаж должен подчеркивать величие главной фигуры, и потому за ней отвесно поднимается огромная копна сена, горизонт высоко поднят, ветви деревьев закрывают дали. Фигура матери, кормящей грудью младенца, величава и спокойна, как богиня.

На картине «Жнецы» (1825) представлена сцена из крестьянской жизни, которую художник наблюдал в поле. Героями картины являются крестьянка Анна Степановна и ее сын Захарка [6]. Жница остановилась отдохнуть, и в этот момент ей на руку сели две бабочки. Бросается в глаза ее печальный, усталый вид. Держа руку на весу, она показывает прилетевших красавиц своему сыну. Мальчик рассматривает их с удивлением и интересом. Он радуется жизни. Главная идея картины заключается в том, что крестьяне близки к природе, любуются ее красотой, проникаются ею. Для более глубокого изображения тяжелой крестьянской доли художник использует отдельные детали: потемневшая от работы холщовая женская рубаха, сшитый из лоскутов сарафан, выступивший жар на лице жницы, обессиленные нежные руки, держащие серп, обветренные пальцы… Какой бы жестокой не была судьба, крестьянка стремится к красоте. Об этом напоминают ее скромные бусы.

На картине «Девушка в платке» (конец 1820-х гг.) девушка смотрит на мир открыто и робко. В живых глазах отражена чистая, невинная душа. Искренний взгляд манит загадочностью. Губы замерли в легкой улыбке. Ее каштановые волосы гладко зачесаны. Платок бережно обрамляет нежное лицо. Она не знает зла и тяжелой крестьянской доли, верит в добро, доверяет людям. Это не измотанная трудом крестьянка, а юная красавица. Даже в том, как девушка держит руку, таится благородство манер, чувств. Художник изобразил образ, полный гармонии и юной прелести. Он уверен в том, что юная крестьянка несет в мир свет и заслуживает счастья в жизни.

Такие картины, как «Жница» (середина 1820-х гг.) и «Крестьянская девушка с серпом во ржи» (начало 1820-х гг.), должны быть признаны полным выражением его представлений о красоте, духовном благородстве крестьянки. В облике жницы с ее твердым спокойным взглядом есть нечто глубоко русское. Таких круглолицых девушек с их плавной походкой воспевают народные песни. В чертах ее лица нет яркой красоты южанок, но этим чертам присуща та соразмерность, которая так чарует в древних греческих мраморах. В облике девушки, особенно в ее губах, есть нечто робкое, девичье, почти что детское, в глазах ее сквозит доверчивость к людям, задушевность. А.Г. Венецианов запечатлел образ русской женщины, еще не познавшей ту горькую долю, о которой так часто заходит речь в народной поэзии. В обеих картинах нет эскизности выполнения, как в пастели, все передано предметно и тонко. И вместе с тем формы так обобщены, что голову «Крестьянской девушки» можно принять за фрагмент классической фрески. В «Жнице» дуга серпа служит как бы ритмическим ключом композиции; отголоски ее можно видеть и в лентах, которыми повязан кокошник, и в склоненных колосьях, и в очертаниях плеч и всего овала ее юного личика [6].

«Наконец мы дождались художника, который прекрасный талант свой обратил на изображение одного отечественного, на представление предметов его окружающих, близких к его сердцу и к нашему...», - писал П.П. Свиньин, создатель «Русского Музеума» в Петербурге.

В последующие годы А.Г. Венецианов создает множество портретов молодых крестьянских девушек: «Крестьянка с косой и граблями», «Крестьянка с васильками», «Девушка с теленком», «Крестьянка с бабочками», «Девушка с подойником» и другие. Рисовал он и пожилых крестьянок, величественных и мудрых – «Крестьянка, опершаяся на руку», «Крестьянка в синем сарафане», «Старушка-крестьянка». При всем своеобразии каждой из этих работ их объединяет стремление художника воплотить новые представления о прекрасном в искусстве, о народной красоте, одухотворенной и благородной.

Крестьянок изображали на своих полотнах многие ученики А.Г. Венецианова. Известны, например, работы М.И. Антонова «Девушка, пахтающая масло» (1838), К.А. Зеленцова «Русская девушка на сенокосе» (1827), Ф. М. Славянского «Крестьянка с прялкой» (вторая половина 1830-х гг.), «Девушка кормит цыплят» (1838-1839). Картины А.Г. Венецианова и его учеников, экспонировавшиеся в Академии и Обществе поощрения художеств, оказали влияние на живопись 1830-1840-х годов, способствуя появлению многочисленных «крестьянских» портретов, жанров и интерьеров в практике академических учеников и мастеров, близких Академии.

Василий Андреевич Тропинин (1776-1857) на своих полотнах изобразил крепостных рукодельниц, работающих в помещичьих мастерских. Картина «Пряха» стала первым опытом написания «с натуры». Портрет был выполнен в двух вариантах с разницей примерно в 10 лет. Композиционно картины идентичны, изменение было внесено лишь в лицо девушки. Её ласковый и озорной взгляд на более поздней версии художник обращает напрямую к зрителю. Лицо девушки носит определенные общие черты идеалистического образа – чувственные мягкие очертания лица, темные глаза продолговатой формы, ласковая улыбка… Несмотря на простоту одежды и украшений, художнику удаётся создать удивительно изысканный образ. В этом помогает преобладающая мягкая светлая гамма оттенков и манера нанесения краски, используемая Василием Андреевичем. Небольшие плотные мазки придают изображению эффект округлости и объемности, присущие миниатюрам. Фигура девушки изображена на фоне поля, акцентируя близость и единение с природой. Размеренные движения пальцев перетягивающих нитку и крутящих веретено, возможно, слишком мягкие и утонченные для рук простой крестьянки. Но В.А. Тропинин стремится несколько к иному результату. Его цель показать скромную естественную красоту, создать новый вариант реальности – наполненной поэтичностью и добродушием [1].

Картина «Кружевница» (1823) принесла ему славу мастера женских образов и стала значительным явлением в живописном искусстве того времени. Миловидное лицо кружевницы с легкой улыбкой приветливо обращено к зрителю, как будто она только на минутку остановилась, подкалывая узор маленькой ручкой... Все упруго в этой девушке: и лицо, и голова, и руки... Упруго и движение этих маленьких рук, особенно левой, ни на что не опирающейся, но остановившейся в воздухе с полной определенностью. Чарующая прелесть сквозит в этих формах - ничего расплывчатого, недосказанного, неопределенного, туманного. Любовно передает художник предметы мастерства своей героини - коклюшки и кусок полотна с начатым кружевом.

Картина «Золотошвейка» (1826) выполнена в коричнево-бежевых тонах, справа падает теплый свет. В центре – молодая девушка – золотошвейка: перед ней на столе тонкая работа - шитьё золотыми нитями. В правой руке мастерицы тонкая нить и игла, а белоснежное полотно с золотой вышивкой растянуто по столу, предназначенному для работы. Девушка на секунду отвлеклась от своего занятия и посмотрела на художника. На лице ее легкая, нежная улыбка. Девушка одета в простое серое платье, на плечах – красный платок с изящным орнаментом по краю. Это простая, милая, добрая девушка, которая вкладывает душу в переплетение сложных узоров тонких нитей.

Таким образом, в первой половине XIX века художники изображали русских крестьянок, занятых трудом в их патриархальной простоте, образах типических и одновременно вполне конкретных и узнаваемых.

В 1850-е годы черты идеализации в «крестьянском жанре» сменились натуралистическими тенденциями, интересом к деталям, а также бессюжетными жанрами со сценами отдыха селян. Усилилось повествовательное начало, усложнилась композиция. Более важную роль в эти годы начала играть пейзажная живопись, которая также не ограничивалась воспеванием поэзии и красот русских далей, многие из художников писали картины ужасающей бедности и разрухи.

В ряде картин изображены крестьянки, занятые тяжелым трудом, кратковременным отдыхом, на их лицах видны усталость и печальная устремленность взгляда в даль, их руки указывают на тяжелую ежедневную работу.

Основную часть творчества Григорий Григорьевич Мясоедов (1834-1911) посвятил описанию крестьянства. Его картины затрагивают ритуальные действа, народные поверья и обычаи. Жизнерадостное по содержанию и красочное по колориту полотно «Поздравление молодых в доме помещика» (1861) свидетельствовало об интересе художника к деревенскому быту, к созданию крестьянских образов. Многолюдно в барском доме. У окна – помещик в окружении своего семейства, ближе к дверям – приглашенные им крестьяне – молодожёны в сопровождении в сопровождении своей родни. Крестьяне одеты в свои лучшие одежды. Особенно красив яркий народный костюм невесты, целующей жениха. Солнечные лучи, наполняя комнату светом, помогают раскрыть настроение действующих лиц.

Работая в области крестьянского жанра, Г.Г. Мясоедов заинтересовался народными поверьями. В 1869 году им была написана картина «Заклинание», за которую художник в 1870 году получил звание академика. В ней на фоне предгрозового пейзажа была показана уродливая старуха, обучающая молодую крестьянку заклинать силы природы. В 1876 году Г.Г. Мясоедов окончил картину «Опахивание», на которой представлено ночное шествие деревенских женщин и девушек. Косматые, в одних рубахах, а то и вовсе обнаженные, они с причитаниями опахивают сохой село в надежде уберечь его от очередной эпидемии. Сюжет был взят художником из жизни крестьян Тульской губернии [2].

Красота труда простого человека, труда созидательного, творческого, прозвучала в полную мощь в произведении «Страда» («Косцы») (1887). В «Страде» образы человека и природы слиты воедино. Большой размер полотна и точка зрения, взятая несколько снизу, сообщают этой жизненной сцене величественный и торжественный характер. Во все стороны раскинулось море спелой ржи. Она кажется особенно золотистой на фоне голубого неба с розоватыми неподвижными облаками вдали. Пейзаж пронизан знойным раскаленным воздухом. Из глубины на зрителя идут косцы в голубых и розовых рубахах. Их фигуры точно вырастают из моря хлебов. Лица и позы людей говорят о большом напряжении, но и внутреннем подъёме. Гордо и радостно выражение одухотворенных лиц, отрадно косить высокую густую рожь. Женщины собирают и вяжут снопы из скошенной ржи.

Известный художник-передвижник Василий Максимович Максимов (1844-1911) все свое творчество посвятил теме крестьянства. Вместе с крестьянами он проводил деревенские праздники, любил бывать на ярмарках, был дорогим гостем, а то и «посажённым отцом» на деревенских свадьбах. На сходках выбирали его, как лицо справедливое и незаинтересованное, быть судьёй при семейных разделах. В.М. Максимов старался проникнуть во все стороны деревенской жизни, стать ближе к народу, жить с ним одною жизнью и правдиво отразить эту жизнь в своём творчестве.

Знаменитая картина «Бабушкины сказки» (1867) была написана по воспоминаниям детства - когда-то в их избе долгими вечерами собирались соседи послушать сказки матери художника. В центре деревенской избы, освещаемой лучиной, сидит старушка и рассказывает сказки. Заслушались деревенские ребятишки. Выражение открытой увлеченности и нетерпеливого ожидания событий у ребят, сидящих слева, оттеняется задумчивым переживанием рассказанного у мальчика и девочки, что рядом с бабушкой. Находящиеся с другой стороны от рассказчицы две молодые женщины уравновешивают и одновременно усугубляют это состояние погруженности в обдумывание, в теплое и задушевное воспоминание. Тихая сосредоточенность в лицах приостановивших работу мужчин. Переживание услышанного оправдывает отключенность от будничного и бездействие героев, трогающих простодушным лиризмом. В картине есть акцент не на действии, а на состоянии, причем длительном - создается впечатление, что люди надолго останутся в одном настрое.

На картине «Сборы на гулянье» (1869) наряжаются на праздник две крестьянские девушки, что-то тихо обсуждая между собой. В их действиях нет суеты, сценка наполнена светлым лиризмом. В лицах девушек - целомудренная несмелость и тихая радостность, в жестах, пластике фигур мягкость и неспешность движений, истинно русская напевная грация. Лица девушек - русские; художник уходит, наконец, от идеализации, постепенно постигая национальный тип лица, поэтизируя крестьянский быт со сложившимися представлениями о нравственном поведении, о нормах красоты, с передававшимися из поколения в поколение формами костюма, орнамента. В картине есть вторая сюжетная линия - женщина с ребенком на руках. Лицо ее загадочно - то ли грусть, то ли воспоминание, она отстранена от действия, она вне радостных волнений. Образ ее более идеален, в лице почти классическая чистота линий. В этой картине живописец впервые передал зримую красоту народного быта. Используя контрастное освещение, В.М. Максимов светом выявляет то красоту мерцания сережек, то ленту и бант в длинной косе, обращает внимание на традиционный узор домотканых половиков, заставляет светиться нарядное узорочье старинных сарафанов. Художник внимательно изучал крестьянский костюм (существует рисунок с тщательным воспроизведением формы сарафана).

В полотне «Приход колдуна на крестьянскую свадьбу» (1871-1875), стремясь выявить этическое и эстетическое содержание народной жизни в свадебном действе, художник драматизирует его приходом колдуна. В реакции на приход колдуна каждый из присутствующих выявляет себя, раскрывает свои чувства и характер. Всю группу объединяет общее эмоциональное действие, здесь словно хор со множеством индивидуальных голосов. Ни одно из главных действующих лиц не заслонено другим, их значение в картине акцентирует свет, который выявляет два смысловых центра картины - невесту с женихом и колдуна. Невесте - вся яркость света и цвета: красный с желтыми кисточками свадебный костюм, шитый жемчугом кокошник, «красный» угол избы, убранный полотенцами. Нежная и доверчивая невеста полна торжественности и пленительного душевного трепета, несколько испугана, она слушает, как оборониться от зла, и в то же время обращена внутрь себя. Этот мотив поддержан уведенными на второй план женскими лицами. Слева в шитом жемчугом головном уборе тихая и трогательная сестра новобрачной напоминает мягкую, напевную женственность образов картины «Сборы на гулянье». Оказавшаяся вблизи от колдуна женщина в светлом наряде напугана и любопытна одновременно, хочет отпрянуть, но не смеет отвести взгляда от колдуна. В самом конце свадебного стола слева свет выхватил таинственный женский профиль в платке. Как будто она знает о его приходе - сидит тихо, противостоит открытости очарования невесты. Только художник огромного поэтического чутья мог столь изящно коснуться разных сторон русской женской души.

В картине «Семейный раздел» (1876) В.М. Максимов глубоко постигает другую сторону жизни русского крестьянства - процесса «раскрестьянивания». Чуткий к жизни художник понял, что неминуема ломка милого его сердцу патриархального мира в условиях начавшегося развития России [5]. Тяжело смотреть на эту сцену семейной вражды. Правда, без старинного обычая не обошлось и здесь - старший брат разрезает пополам каравай хлеба. Но это уже не знак общности, а знак раскола семьи. Сложны состояния братьев. У старшего - последнее чувство родства, боль и нежелание обидеть, ему трудно переносить укор взгляда младшего, эгоистичность интересов берет верх. Этот молчаливый «разговор» идет после того, как все уже свершилось и поправить ничего нельзя. На первом, плане художник подробно перечисляет предметы дележа, показывая, как старшая невестка, бывшая хозяйкой в доме, обобрала младшую. Женские характеристики крайне противоположны. У старшей невестки злое, властное лицо, алчный, безжалостный взгляд, руки, вцепившиеся в вещи. Это первый женский образ такого содержания в творчестве художника, кисть которого всегда искала в женщине лиризм и нежность. Но художнику трудно быть в этом бездушном мире, он не может без красоты, и он создает «отрадный» образ младшей невестки. Она несправедливо обижена, но не оскверняет лицо и душу злобой, облик ее скромен и миловиден, фигура статная, она хранит русскую мягкость и внутреннее доброе достоинство, без вызова, естественно переживает несчастье. Ее освещает поток ничем не перебитого света, обозначая в ней, может быть, чуть прямолинейно, самый светлый образ этой жестокой сцены.

В детстве художник стал свидетелем смерти отца. Вероятно, переживания шестилетнего малыша нашли отражение в картине «Больной муж» (1881). Место действия картины – простая деревенская изба. Обстановка крайней бедности: окно занавешено наспех простым куском материи, вместо кровати – срубленная хозяином лежанка с соломой вместо матраца, возле нее небольшая лавка с нехитрой едой для больного. Зритель понимает, что семья живет впроголодь, перебиваясь копеечными заработками мужчины. В красном углу несколько икон в окладах – единственная ценность хозяев. К безмолвным ликам обращается с молитвой женщина – ее фигура выражает крайнее отчаяние. На коленях, со смиренно опущенной головой она просит послать мужу избавление от болезни, не допустить беды. Ей больше некого просить, на помощь доктора и лечение надежды нет – у нее нет денег. На полу разбросаны рыболовные крючки, обрывки сетей – художник изобразил крестьянский дом на Волге. Понятно женское отчаяние – занедужил кормилец, единственный работник в семье. Муж рыбачил – уловом и кормились, и зарабатывали на жизнь. В картине каждая деталь, каждый штрих наполнены сочувствием к происходящему. Эмоции художника помогли ему создать настоящий шедевр – недаром полотно своим появлением произвела фурор в обществе, стала знаковым событием в художественном мире.

Таким образом, во второй половине XIX века в русскую живопись приходит новое, свободное от идеализации изображение крестьянок. В картинах многосторонне отражены люди, нравы и быт тогдашней деревни.

Список используемых источников информации

Василий Тропинин – биография и картины художника [Электронный ресурс] // Режим доступа: https://biographe.ru/znamenitosti/vasilij-tropinin/- 24.01.2022.

Григорий Григорьевич Мясоедов – биография и картины [Электронный ресурс] // Режим доступа: https://muzei-mira.com/biografia_hudojnikov/1220-grigoriy-grigorevich-myasoedov-biografiya-i-kartiny.html - 24.01.2022.

Дороченков, И. Передвижники и другие: крестьяне в русской живописи [Электронный ресурс] // Режим доступа: https://arzamas.academy/materials/1469 – 24.01.2022.

Картины Венецианова. Образы русских крестьян [Электронный ресурс] // Режим доступа: https://www.arts-dnevnik.ru/kartiny-venezianova/ – 24.01.2022.

Максимов Василий Максимович – русский художник [Электронный ресурс] // Режим доступа: https://art-assorty.ru/3270-maksimov-vasiliy-maksimovich.html – 24.01.2022.

О «натуре простой» и «натуре изящной». Крестьянские образы в раннем творчестве Венецианова [Электронный ресурс] // Режим доступа: http://artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000006/st029.shtml – 24.01.2022.

Русская бытовая живопись второй половины XIX века [Электронный ресурс] // Режим доступа: http://artyx.ru/books/item/f00/s00/z0000006/st030.shtml – 24.01.2022.

Код для цитирования: Скопировать