XIII Международная студенческая научная конференция Студенческий научный форум - 2021

Начало ХХ в. ознаменовалось изменением классического типа мышления эпохи модерна на неклассический, а к концу столетия – на постнеклассический. Характеризуя нынешнее состояние науки, искусства и социума в общем дал определение Ж.-Ф. Лиотар еще в 70-е годы, обозначив его как «состояние постмодерна». Рождение стиля постмодерн (60-70-е гг. ХХ в.) связывают с процессами, происходившими в эпоху модерна. Зародившийся стиль оказался ответом на кризис модернистских идей, и на так называемую «смерть» супероснований: Бога (Ницше), автора (Барт), человека (гуманитарности).

С появлением постмодерна деструкция захватывает многие культурные аспекты. Так, постмодернизм заключил идею, что человек не в состоянии выдержать давления мира и становится постчеловеком. Все стили искусства этой эпохи наполнены данной парадигмой, которая проявляется и преломляется через все личностные и мировые концепции. В случае с поп-артом человек оказывается приобретателем в обществе «массового потребления».

Поп-арт, зародившийся в середине XX века, стал движением, отражавшим повседневность, стремившимся изобразить обычные бытовые предметы. Художники, создающие в этом стиле свои творения, сумели размыть ясную грань высокого и низкого, элитарного и массового искусства. Данный стиль не теряет своей актуальности и сегодня. Можно отметить, что художники современности продолжают транслировать часть концепций и методов поп-арта, а также использовать материалы, введенные в обиход благодаря этому стилю.

Характеристика поп-арта

Термин поп-арт произошел от английского словосочетания «popular art», в переводе – популярное искусство. Это авангардное течение Западноевропейского и Североамериканского искусства середины прошлого века. Основополагающим принципом поп-арта явилось то, что изобразительное искусство заменяется композициями из обыденных предметов обихода в абсолютно парадоксальных соединениях, раскрывая таким образом «новые аспекты реальной действительности».

Данный стиль сформировался под влиянием дадаизма и стал символом «выхода» искусства в сферу массовой культуры, рекламы, моды. Однако вопреки ироничности и эпатажности, доставшихся в наследство от дадаистов, поп-арт оказался не художественным, в преобладающем большинстве, и даже не эстетическим явлением в целом. Его ведущей категорией стало «обозначение» (лат. designatio), которое избавило автора от «рукотворного» процесса создания объекта искусства. Рассматриваемое понятие впервые было введено критиком Л. Элоуэем в 1965 г. В роли художественного направления поп-арт закрепил ранее намеченную в искусстве оппозицию массового и народного, массового и элитарного.

Искусствоведы, изучающие этот стиль, говорят, что в некотором контексте любая вещь утрачивает свой исходный смысл и превращается в произведение искусства. По этой причине основной задачей художника является не создание нового художественного предмета, а придание обычному предмету художественных свойств благодаря методом организации определенного контекста в восприятии зрителя. Поп-арт – это композиция, созданная из обыденных предметов, временами сочетающихся с элементами муляжа. Измятые автомобили, потерявшие цвет изображения, клочки печатных изданий, пугало животного под стеклянным колпаком, покрашенный белоснежной краской драный башмак, электродвигатели, ветхие покрышки – все перечисленное может стать экспонатом выставки в стиле поп-арта.

Поп-арт выдвинул теорию «массового потребления». Идеальной личностью такого общества становится человек, заменяющий классическую эстетику картин, скульптур, сооружений товарными композициями. Первостепенными для поп-арта оказываются слова, которые заменяются продуктами, беллетристика, вытесняемая вещами, красота, замещаемая пользой, а также алчность потребления, пришедшая на смену духовным потребностям. Данный стиль исключительно ориентирован на массы, лишенные самостоятельного мышления и замещающие собственное мнение выдержками из рекламных компаний или СМИ. Исчезает индивидуальность, на мену ей приходит личность поп-арта, зомбированная массовой культуры, манипулируемая с помощью телевидения и других средств массовой информации.

На первый взгляд поп-арт является бунтарским искусством, которое выполняет функцию адаптации человека к обществу. Большая часть авторов пришла к идеи социального нигилизма «новых левых». Идейная направленность течения заключается во всеобщем отрицании, целью же становится общий, массовый экстаз, являющийся «актом бунта против всех и всяческих форм отчуждения». Бунт «новых левых» стал способом вживания молодой личности в общество запада. Художники, вдохновленные бунтом, всеми возможными способами старались отстраниться от литературы, от эстетики – того, что вербально определяет мировоззренческие ориентации личности. В этом кроется внутренний конфликт бунтовщиков. Поп-арт был близок с общественным нигилизмом «новых левых», одушевленных пафосом общественного порицания. «Новые левые» заявляли искусство, которое бы вызывало экстаз аудитории. Это оценивалось ими как освобождение «революционных потенций», как бунт против отчуждения.

Зарождение и развитие поп-арта

За много лет до того, как американские художники объявили о создании нового стиля, ключевая мысль поп-арта была объявлена и реализована в России начала XX века. Давид Бурлюк совместно с группой футуристов ездил по советской провинции, окутанной гражданской войной. В одном из таких городов были объявлены выступления футуристов, которые сопровождались художественной экспозицией. Вследствие множества причин работы Бурлюка не приехали своевременно, и выставка была вынуждена закрыться. Тогда В. Шкловский предложил разместить такие экспонаты, которые сейчас мы могли бы назвать поп-арт искусством: основным творением данной экспозиции оказались носки самого Шкловского, размещенные за стеклом.

Значимым этапом развития поп-арта в Америке были экспозиции «Новый реализм» в галерее Сиднея Джениса и в музее современного искусства Гуггенхейма, начавшиеся с 1962 г. В том же время Р. Гамильтон создает серию поп-арт работ «Давайте вместе исследовать звезды», главной идеей которой становится космическая программа, которая была выдвинута президентом Кеннеди. В центре идеологически выдержанной экспозиции Гамильтон расположил рекламный коллаж с изображением президента, облаченного в космический скафандр и находящегося за штурвалом межзвездного корабля.

Незадолго после этого поп-арта пересек океан и попал в Европу, впервые появившись в немецком городке Кассел (1964). С этих лет Гамильтон стал выставлять свои работы в стиле поп-арт не только в крупнейшем американском мегаполисе Нью-Йорке, но и во многих городах Великобритании и Европы.

Примечательно, что множество поп-арт художников обнаруживают собственную «жанровую» специализацию. Например, главным предметом творчества Д. Чемберлена становятся смятые автомобили, возлюбленный жанр К. Ольденбурга – коллаж, а у Дж. Дайна – домашние интерьеры. 

Представители поп-арта

Самыми известными и влиятельными представителями стиля поп-арт являются Э. Уорхол, Дж. Сигал, Р. Раушенберг, К. Ольденбург, Р. Лихтенштейн. «Отцом поп-арта», по мнению многих американских критиков, принято считать Энди Уорхола. Началом его карьеры стала авторская выставка в 1962 г. в Лос-Анджелес. Посетители с удивлением обнаружили вместо картин множество раз увеличенное изображение этикеток от консервных банок и бутылей от томатного сока. Художник преобразовал в эстетический принцип своего творчества такие своеобразные характеристики рекламы, как выразительность, фальшивость, заурядность, примитивность, установка на усредненную личность. Его неприкрытые заимствования и мночисленные копии М. Монро, Э. Пресли, логотипа Coca-Cola и вида американской валюты оживили искусство тех лет. Это были 60-е с их бурным всплеском молодежной энергетики, стремлением к обновлению, активизацией массовой культуры и рождением поп-арта.

Слава Уорхола была невероятной. Однажды в качестве экспоната он выставил себя в качестве произведения искусства. Его творческая неординарность проявлялась в самых разных сферах, формируя тип современного художника. Многочисленные шелкографии, киноленты, продолжительностью многие десятка часов, всегда включенный магнитофон, созданный им журнал Interview, где известные личности интервьюируют таких же известных личностей, его студия или, как он ее называл, Фабрика, его вечеринки и покрашенные в серебряный цвет волосы – все это характеризует Уорхола, как художника. Книгу «Философия Энди Уорхола (От А к Б и наоборот)» тоже можно поставить в этот ряд. Она не имеет ничего общего с обычными мемуарами или декларациями художников. Ее жанр ближе литературному, многосоставному сочинению, некоторые части которого сделаны в виде диалога Энди с воображаемым собеседником. Содержание названой книги есть ключ к пониманию личности и творчества поп-арт художника. Текст о любви и популярности, о времени и гибели, об искусстве и красоте и о том, как хранить финансы и как заниматься уборкой, и почему всем так необходим парикмахер, а значимость стелек для обуви иногда может быть выше. Книга стала сборником простых и сложных истин каждодневной жизни художника. 

Рассмотрим некоторые популярные произведения Уорхола.

Смерть Мэрилин Монро поразила Уорхола до глубины души. Диптих «Мэрилин» (1962) был создан почти сразу же после неожиданной кончины актрисы. На каждом полотне диптиха изображено 50 одинаковых изображений Мэрилин, в основе кадр, взятый со съёмок киноленты «Ниагара». Один диптих содержит только цветные портреты, другой –тающие и исчезающие чёрно-белые, как знака смерти и ухода из бытия прекрасного образа. Техника выполнения работы – шелкография, изобретенная самим автором. Диптих «Мэрилин» стал культовой работой. Он был продан за 80 млн. $ и в данный момент находится в галерее Tate, Великобритания.

Вслед за диптихом «Мэрилин», художник создает знаковую работу на тему еды с необычным заголовком «Супы Кэмпбел» (1962). Здесь Уорхол предлагает зрителю поразмышлять над тем, какие в действительности безликие товары массового потребления. Как раз эта идея и получила определение «поп-арт» – всякий предмет может оказаться предметом искусства. Изображение банки с обожаемым Уорхолом томатным рисовым супом, стали «штамповать» в огромных масштабах. Было сделано более тридцати шелкографий, из которых самый дорогой вариант был продан за 24 млн. $ после смерти художника. При жизни художник реализовывал картины по 100 $ за копию. В тот период он не мог себе вообразить, насколько изображение простого супа станет популярным и востребованным.

На первый взгляд картина «Восемь Элвисов» (1963) рисует только многократное повторение фотографии известнейшего поп-артиста. Однако в ней кроится изящный философско-эстетический замысел. Каждое изображение Элвиса – это отпечаток, и каждый последующий такой отпечаток является результатом его наложения на предыдущий. Постепенно слои накапливаются и собираются в правой части картины. Как известно жизнь известнейшего артиста завершилась в самом расцвете из-за употребления наркотиков. Данная работа представляет собой размышление на тему смерти, образе жизни, популярности и забвении даже самых выдающихся современников. Уорхол использовал кадр из киноленты, в которой Пресли снимался в молодости. Начальный вариант картины был задуман из 16 изображений, однако художник оставил только половину. Сейчас работа Уорхола находится в коллекции анонимного коллекционера, выкупившего образы Элвиса за 100 млн. $ в 2009 году.

Легендарная работа Уорхола – Красный Ленин (1987). Не мудрено, что художник направил свой взгляд на лидера русской революции. Данная работа является одной из последних Уорхола. Автор довольно буквально отметил характерные черты нрава Ленина. Здесь вождь ещё молод, со строгим взглядом, решительно сжатыми губами, его можно сравнить с хищником перед броском – именно этот образ выбрал Уорхол для своей работы. Образ Ленина располагается на огненном красном фоне, представляющем собою символ кровавой и беспощадной революции. Это своеобразная икона, которая на протяжении 70-ти лет смотрела со стен и страниц учебников великой СССР.

В заключении можно сделать вывод, что поп-арт явился порталом, через который в современный мир прошло все, что сегодня несет в себе массовая культура: это «негативный демократизм», сводящий духовность искусства до примитивнейшего чувственного уровня, популяризация искусства и ее превращение в вульгарное зрелище, придание предметам искусства не развлекательное успокаивающие, а парадоксально-гротескные свойства. Для поп-арта нет загадок таланта, тайн творчества, искушенности мастерства художника; для эстетического восприятия его произведений не требуется усилий. Все становится низменно элементарным.2