IX Международная студенческая научная конференция Студенческий научный форум - 2017

Оптическое искусство - OPtical ART - художественное течение, использующее различные зрительные иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур. Оп-арт ещё называют разновидностью кинетического искусства. В визуальных композициях создается иллюзия движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей. Создается иллюзия “ожившего пространства”,плоскостное восприятие мира нарушается. Первые опыты влияния изображения на человеческое зрение проводились еще в конце 20 века. Но в тот период они несли только научный характер. Впервые произведения оп-арта появились лишь в 50-е годы 20 века.Основы для этого искусства можно увидеть и в кубизме(обязательным условием для верного восприятия произведения - тесный контакт со зрителем, использование различных материалов для создания композиций),и в конструктивизме, и в супрематизме (композиции плоских геометрических фигур).Поэтому оп-арт по праву считают наследником основных авангардных течений 20 века. В 1960 году во Франции молодой аргентинский художник Горацио Гарсиа Росси формирует GRAV (”Group Recherche d`art visual”) - Группу исследователей визуального искусства - в которую вошли художники оп-арта. В 1961 году они подписывают декларацию “Довольно мистификаций”,в которой утверждают основы нового искусства.Под декларацией подписались такие художники как: Франсуа Морелле, Виктор Вазарели и его сын Жан-Пьер Ивараль, аргентинские художники Хулио Ле Парк, Франциско Собрино, Жюэль Стейн.

Искусство новых творцов было порождением увлечения в 60-е точными науками, кибернетикой, новыми технологиями, открытиями в области человеческого восприятия. Реакция человеческого глаза на оптическую иллюзию непроизвольна и исключает сознательную интерпретацию. Это давало возможность, с точки зрения GRAV, создавать искусство универсальное, воспринимаемое каждым, независимо от национальности, образования, вкуса. Оп-арт основан на тонком расчете, предельно рационально и дисциплинировано, и при этом апеллирует к рефлексу, психике, а не к сознанию человека, способному оценить виртуозность и мастерство построений. Даже после распада группы в 1968 году, ее представители в дальнейшем творчестве продолжали развивать идеи оптических иллюзий.

В 1965 году в Музее Современного искусства в Нью - Йорке проходит выставка “The Responsive Eye”,после которой оп-арт приобретает мировую известность.

Виктор Вазарели по праву считается идейным вдохновителем и лидером оптического искусства. Он родился в Венгрии в 1906 году. С ранних лет Виктор стремился к научной деятельности больше, чем к искусству. Поэтому в 1925 году он поступает в Будапештский медицинский университет. Через два года молодой человек решает радикально изменить свою жизнь и бросает занятия медициной. Но эти два года учебы сформируют в нем научный и объективный подход, который в дальнейшем отразится в его творчестве.

   С 1927 – 29 года Вазарели изучает традиционное академическое искусство в частной академии Подолини - Фолькмана, и в то же время посвящает много времени самообразованию - читает научные труды Энштейна, Гейзенберга, Бора и Вайнера. Постепенно он приходит к выводу, что наука может расширить границы понимания, а искусство способно выразить эти научные модели через визуальные образы. Соединяя между собой искусство и науку, Вазарели говорит:  «Два творческих выражения человека -наука и искусство - сливаются воедино, чтобы создать нереальную конструкцию чувственности и современного знания».

Но идея оставалась не реализованной. Необходимо было нечто, что придаст ей форму. Вазарели принялся искать. Молодой художник часто проводил время в кофейнях на набережной Дуная. Здесь обычно собиралась вся городская богема, интеллектуалы обсуждали политику, экономику, научные открытия, музыку и авангардное искусство. Именно здесь Вазарели впервые услышал о Баухаус - Высшей школе строительства и художественного конструирования в Германии. Загоревшись идеей обучения, он в 1929 году поступает в Академию Мёхель (The Muhel Academy),которая считалась в то время центральным филиалом Баухаус в Венгрии. Академия Мёхель стремилась сохранять основы Баухаус. Концепцией обучения являлась идея, что все виды искусства и архитектуры должны достигать единства замысла, основанного на квадрате, прямоугольнике и круге. Вазарели, будучи студентом, исследовал различные вариации визуальных форм, которые он впоследствии еще будет использовать в своих работах. Его талант был очевиден для окружающих коллег. Навыки, полученные в Академии, стали основой его зрелого художественного стиля.    Немного поработав в Будапеште после окончания Академии Вазарели в 1930 году решает поехать в Париж -центр мирового искусства того времени. Через год он женится на своей сокурснице Клер Спиннер, которая дарит ему двоих сыновей: Андре и Жан-Пьера.  Вазарели находит работу в различных рекламных агентствах, но заказы его не удовлетворяют, поэтому по вечерам он все больше времени посвящает собственному творчеству.

Период с 1930 по 1944 год определяется как графический в творчестве художника. Он в большей степени символичен и демонстрирует графические образы без доминирующего акцента на кинетику и оптическую иллюзию, хотя эти работы бесспорно можно назвать основой для его дальнейших картин. “Арлекин” (1935) - одна из ярких работ этого периода. Вазарели использует систематически заполненную цветом и искривленную сетку, чтобы оживить фигурку как бы всплывающего на поверхность арлекина. Еще одна замечательная работа - “Зебры”.В дальнейшем появляется целая серия с подобным сюжетом. Вазарели виртуозно использует траекторию линий для создания эффекта кружения животных.    Большая перемена в стиле художника произошла после его первой персональной выставки,прошедшей в 1944 году в Галерее Дениз Рене. Выставка имела успех; художник решает посвятить себя живописи.    В то же время, Вазарели знакомится с творчеством Огюста Эрбина, Пита Мондриана и Ле Корбюзье.Их работы сильно влияют на него, и он с 1945 года принадлежит всецело абстрактному искусству. Он был на пути к тому, чтобы стать признанным художником, но сам он чувствовал, что еще не достиг своего авторского стиля. В 1947 году Вазарели проводит отпуск в Бретани, на острове Белль. Там , прогуливаясь по песчаным пляжам, он вдохновляется: “Галька, морские раковины, вихри воды, парящий туман, солнечный свет, небо...на скалах, в осколках бутылок, отполированных беспрерывно приходящими и уходящими волнами, - во всем этом я вижу внутреннюю геометрию природы”. В это время Вазарели переходит от абстрактного изображения конкретных образов на чистые геометрические композиции. Он так же вдохновляется творчеством Казимира Малевича, Вальтера Гропиуса. Художник находит свой авторский стиль.

Период 1952 - 65 гг. определяется как непосредственное возникновение оп-арта. Вазарели продолжает работать преимущественно с геометрическими формами в черно-белой графике. В картине “Вега” - названная по имени самой яркой звезды в созвездии Лиры, художник создает огромную шахматную плоскость, которая нарушена регулярно изгибающимися поверхностями, создающими рельеф.Человеческое зрение сталкивается с противоречием в восприятии диагоналей в одной части картины и горизонталями и вертикалями в другой. Картина фактически заставляет нас отходить и приближаться, и когда мы так делаем, поверхность начинает движение: расширяющееся, сужающееся, волновое. Фундамент для оптического искусства был заложен.  В 1955 в Галерее Дениз Рене проходит первая выставка кинетического искусства “Движение”, в которой участвует Вазарели. В то же время он публикует “Желтый Манифест”, в котором выражает концепцию ”пластической кинетики” на основах школы Баухаус. ”Желтый манифест” назван за счет цвета бумаги, на которой напечатана эта работа. Он выражал новую программу художников оп-арта.   Для художников “живопись и скульптура становятся анахронизмами; более актуально говорить о двух-,трех -, и многомерном пространствах пластического искусства. Мы более не заинтересованы в индивидуальной демонстрации творческой чувственности, но мы заинтересованы в выражении индивидуальной пластической чувственности в различных измерениях. Движение определяется ни композицией, ни объектом. Оно основывается на способности зрения, которое само по себе является уникальным творцом”. За эту работу Вазарели получает Золотую медаль в Милане на третьей годовщине манифеста.  Период 1960-65 гг очень важный для истории дизайна. Опыты Вазарели приводят его к уникальной идее создания “пластической единицы”. Он изобретает модульную систему комбинаторики цвета и форм, по которой можно создать любые картины. Эти системы он назвал “Alphabet Plastique”(Пластический алфавит”) и “Folklore Planetaire”. 

Согласно системе пластического алфавита, любая картина - это своего рода модульная сетка, состоящая из пластических единиц. Последние в свою очередь представляют из себя квадрат, в который заключена фигура, основанная на круге, квадрате или треугольнике. Вариации модулей увеличиваются согласно выбранной цветовой гамме и цветовым комбинациям фигур и модульных квадратов.
 

Система пластического алфавита оказалась настолько универсальной, что ее принцип охотно применялся в любых сферах дизайна.   В целом стиль Вазарели становится более массовым, тиражным, переходя в руки помощников и потребителей. Художник подчеркивал, что комбинаторика и тиражность лишь дополнительно обогащают произведение.   Выставка “Отзывчивый глаз” (1965) открыла миру имя художника, и с тех пор многие события в искусстве и культуре мирового масштаба редко обходились без участия Вазарели. После выставки мастера моментально окрестили “отцом оп-арта”.Реакция публики была очень восторженной, и после выставки на протяжении нескольких лет оп-арт утвердился практически во всех сферах дизайна: реклама, упаковки, графика, промышленный дизайн, мода.

В последующие годы творчества Вазарели создавал серии работ, которые закрепляли за ним статус лидера течения оп-арт. Одна из таких серий - Вонал. В этих работах он возвращается к графичности и использует линию как инструмент композиции. Но в этот раз важную роль также играет цвет. Таким образом, он продолжает опыты в изучении динамики изображения и его восприятия.    В картине “Вонал - Стри” ощущение движения и погружения создается за счет линий, сходящихся в центральном прямоугольнике. Чем больше мы смотрим на него, тем больше ощущения, что он к нам приближается. Цветовое решение также направлено на усиление чувства погружения и пространства.      

В 1968 году Вазарели начинает работать над серией картин, известной по названием “Вега”. Хотя только ранняя картина художника 1957 года была названа именем звезды, серия получила такое же название из -за того, что в ней воссоздается тот же эффект ожившей поверхности, но на этот раз присутствует цвет. Мастер также использует свою систему пластических единиц. Таким образом создаются совершенно невероятные оптические иллюзии космической поверхности, поражающей нереальными, цветовыми эффектами.

Третья выдающаяся серия - Гештальт - начинается в 1969 году. Параллельно этой серии он создает картины “ Почтение шестиугольнику”, в которых он отражает свою страсть шестиугольнику. В этих работах художник создает монолитные и в то же время транспарантные, реально несуществующие трехмерные сетчатые конструкции. Эти объекты приводят человека в психологическое замешательство. Вазарели стремится воссоздать иллюзии пространства, света, движения и структуры. Помимо собственной творческой деятельности, Вазарели активно сотрудничает с дизайнерами и архитекторами. В 1954 году он совместно с Карлосом Раулем Виллануэва работает на проектом “Посвящение Малевичу” - стена, площадью 100 м, выложенная керамической плиткой в университете в Каракасе, Венесуэла. В 1976 году Вазарели проектирует свой музей The Vasarely Foundations во Франции, в провинции Aix - en - Provence.

Дальнейшие работы мастера, начиная с 70-х годов, это те же эксперименты с иллюзиями, в которых художник использует уже отработанные системы и техники. Но все же ими он показывает, насколько они могут по - разному использоваться, какие неожиданные и потрясающие эффекты могут открываться зрителю. Поистине фантазия Вазарели не иссякает, ее воплощения становится сложнее и богаче. Научный подход к искусству позволяет понять, что самые сложные вещи в мире состоят из самых элементарных единиц. Вазарели знал это. Ему удалось решить сложнейшую задачу, доступную только гению. Он показал, как из простых, элементарных форм, плоскостей, цветов реально создать нереальные, сложнейшие, подчас недоступные человеческому пониманию вещи. Буквально художник показал в своих работах настоящие чудеса. Призывая человека “просто” смотреть, используя возможности своего зрения, художник тем самым по-новому смог выразить ценность человеческого созерцания.

Список литературы.

1. http://desoxiribon.livejournal.com/23635.html
2. https://artchive.ru/artists/61973~Viktor_Vazareli
3. http://anysite.ru/publication/opart